TOP 5: Pixar

Esta columna es tramposa. Es imposible nombrar sólo 5 películas de Pixar, cuando casi todas (sí, casi todas) son perfectas. Por eso, el listado es más un juego, un debate interno dentro de ENP para ver si podíamos ponernos de acuerdo en una selección unificada. El debate inició en nuestro programa, que pueden escuchar acá, y este es el resultado final.

Empecemos con una mención de honor:

Brave (2012):

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Las producciones de Pixar siempre tuvieron una orientación masculina en sus historias, diferenciándose así de Disney y sus princesas. Pero con este film el estudio quiso darnos su versión de dicho género: Mérida es una heroína aguerrida que se rebela contra las convenciones y presiones sociales. Como consecuencia, su madre termina convertida en oso. Entonces, ambas deben iniciar una aventura juntas para revertir el hechizo antes de que éste sea permanente. La exploración de esta relación madre e hija fue una novedad también para el estudio.

Fue una producción difícil. Se suponía que sería el primer film de Pixar dirigido por una mujer. Lamentablemente, no fue así y a mitad de camino Mark Andrews se hizo cargo. Si bien no está a la altura de otras obras del estudio, se destaca por unas vistas ultra realistas de los paisajes escoceses y por su intento de abordar una temática diferente, todo enmarcado en una trama con una rica historia folclórica.

 

Ahora sí, sin un orden específico, nuestro TOP 5:

WALL-E(2008):

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A pesar de que Buscando a Nemo (2003) y WALL-E se estrenaron con 5 años de diferencia, ambas fueron concebidas al mismo tiempo. Sin embargo, su director, Andrew Stanton, optó por concentrarse en la primera por el desafío que representaba abordar la épica espacial. Una vez que la tecnología requerida estuvo a disposición, el film de WALL-E estaba listo para ser ensamblado.

La película cuenta las aventuras de un robot limpiador, abandonado en un plantea Tierra deshabitado que, inesperadamente, un día conoce el amor y se embarca en un viaje intergaláctico cuyo resultado pone en juego el destino de la humanidad.

La historia es perfecta, sabe qué botones apretar para empatizar con su protagonista y brindarnos un espectáculo tanto emocional como visual único. En ese último aspecto, supuso un salto de calidad enorme para Pixar. Se trata de una aproximación realista a la obra: la forma de encuadrar, de dirigir e incluso la paleta de colores y la fotografía buscan que la cinta se vea y sienta más cercana a Ben-Hur que a una película de Disney.

Up (2009):

up-5La vanguardia de Pixar durante la segunda mitad de los 2000s no conoció límites. Esa libertad permitió a Pete Docter (Monsters Inc.) concebir la delirante idea de “una casa flotante que te permita huir a otro lugar cuando la vida alrededor de uno se vuelve demasiado irritante”. Ese fue el puntapié que derivó en las aventuras de Carl Fredricksen, un anciano septuagenario que ata miles de globos a su casa y surca los cielos con dirección a Sudamérica. Carl quiere cumplir un sueño postergado de su difunta esposa pero su travesía se complica cuando un pasajero inesperado se suma a la aventura: Russell, un niño explorador inocente, voluntarioso y optimista resulta ser el contrapunto ideal del anciano y sus interacciones producen las mejores situaciones cómicas de la película.

Valiéndose de referencias clásicas de la literatura como Burroughs (Tarzán), Verne (Viaje al Centro de la Tierra) o Kipling (El Libro de la Selva) construyeron un aventurero comparable con Indiana Jones. Cómo se logra? Fácil: personajes interesantes en situaciones extraordinarias. Los personajes de la cinta (y por caso, de casi todas las propuestas de este estudio) llegarán al límite con tal de cumplir su objetivo. La habilidad de Pixar radica en hacernos empatizar con estos personajes y sus deseos y, una vez que sus anhelos son los nuestros, lo único que , invitarloy lo único que tenemos que hacer, seamos grandes o chicos, es aceptar acompañarlos en su aventura.

Este film redefinió el género, supuso un salto de calidad absoluto para Pixar al convertirse en su primer film en obtener una nominación como Mejor Película en los premios Oscars y haber sido, además, la primera película animada en abrir el Festival de Cannes.

(Nota del Editor: Niko, no puedo creer que no hayas mencionada el zeppelin. NINGUNA película con un zeppelin puede ser mala. NINGUNA)

Inside Out (2015):

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La década de los 2010s viene complicada para Pixar. Si bien el estudio sigue siendo comercialmente exitoso, en los últimos años estrenaron más secuelas que ideas originales y tuvieron sus mayores fracasos con la crítica (Cars 2 es la película con peor puntaje en Rotten Tomatoes del estudio) y el público (Un Gran Dinosaurio decepcionó en la taquilla).

Pero en medio de esta turbulencia, Pixar asomó la cabeza el año pasado para recordarnos por qué son tan geniales: Inside Out (Intensamente) es una joya al nivel de sus mejores creaciones. Cuenta la historia de Riley, una niña que se muda con su familia a San Francisco… pero desde la perspectiva de las emociones personificadas de esa niña. Una trama minimalista (¡es nada más sobre una niña deprimida!) pasa a ser un épico viaje por la mente imaginada como un mundo fantástico. Una clara demostración de que a veces no hace falta la amenaza de la destrucción del mundo para que nos compenetremos con una historia, siempre y cuando nos importe el mundo de los personajes. ¿Y cómo podría no importarnos una película en la que una niña podría no volver a ser feliz jamás?

Monsters Inc. (2001):

Monsters_IncHace 15 años Pixar no era la referencia que es hoy en el género de la animación. Por ese entonces, su obra completa consistía en apenas Toy Story, Toy Story 2 y Bichos. Eso podría ser un currículum envidiable, pero en última instancia consiste en una película revolucionaria, una gran secuela, y un divertido homenaje a Los Siete Samurais de Akira Kurosawa interpretados por insectos que no sería demasiado recordado. Curiosamente, la compañía que se llevaba los laureles en ese momento era Dreamworks, cuya Shrek recibió el primer Oscar a Mejor Película Animada y fue nominada a Mejor Guión Adaptado.

En ese contexto, Pixar estrenó una cinta poco menos que revolucionaria. No sólo desde lo técnico (al día de hoy la animación de los pelos azules de Sulley sigue siendo impresionante), sino aún desde una posible lectura política.

Monsters Inc. cuenta la historia de Mike Wazowski y Sulley, dos monstruos que trabajan juntos en la empresa que le da nombre a la película. La empresa se dedica a producir el combustible que abastece de energía al mundo de los monstruos, que no es otra cosa que los gritos de niños. A través de puertas que llevan a cuartos de los infantes del mundo, los monstruos se dedican a asustarlos y capturar sus alaridos. El problema es que los pequeños ya no se asustan como antes, lo que lleva a una crisis energética. La irrupción de una niña en ese mundo llevará no sólo a destapar una conspiración para arrancar más gritos de las gargantas infantiles sino también a descubrir una fuente de energía alternativa.

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Las referencias sociopolíticas a situaciones de tensión del orden mundial (de la época e, incluso, actuales) resultan transgresoras dentro del género animado. Por un lado, en el mismo año de su estreno, Estados Unidos comenzó una seguidilla de intervenciones militares en Medio Oriente para “abrir la canilla” del petróleo mundial. Por otro lado, el cambio de milenio puso sobre la mesa la discusión del trabajo esclavo infantil con libros como No Logo (Naomi Klein). Resulta difícil no asociar una película sobre monstruos que trabajan para una gran corporación robando aliento de niños con esta problemática. De cualquier manera, Monsters Inc. logra ser mucho más que una divertida manera de pasar una hora y media frente a la pantalla.

Toy Story 3 (2010):

Qué trilogía perfecta resulto ser la saga de Toy Story. ¿Cuántas sagas pueden decir que su tercera cinta es igual de buena (o aún mejor) que sus antecesoras? Series clásicas como El Padrino o, incluso, las Batman de Nolan no pueden hacerlo.

Creo que una de las razones del éxito de las películas de Toy Story es que transmiten a la perfección, y como ninguna otra, la importancia de la perseverancia como valor necesario para lograr cualquier cosa en este mundo. Woody es el epítome del héroe con una voluntad inquebrantable. Durante 3 películas él quiere mantener al grupo unido, acompañando a Andy. Su batalla final (y la de todos los juguetes), finalmente, es contra el paso del tiempo. Woody se mantiene firme en su objetivo y si bien debe aceptar, como todos, que las cosas cambian y no siempre son para peor, su tenacidad logra salvar al grupo de un destino funesto.toy-story-incinerator-1024x576

 

John+Lasseter+Premiere+Walt+Disney+Pictures+zFTUXfFKKR5lEsa firme convicción de avanzar para alcanzar un objetivo ha sido el ADN que su creador, John Lasseter, le ha sabido imbuir a la saga y a Woody en particular. Ya sea que tuviera que enfrentarse a los propios ejecutivos de Disney para producir la primera parte, o batallar contra el estigma de “las secuelas de comedias son malas”, Lasseter mantuvo el timón firme brindándonos productos de calidad.

Y cuando en 2004 una guerra interna entre Pixar y Disney puso en juego la calidad y el desarrollo de una posible 3ra parte, Lasseter, junto Steve Jobs, co-fundador de Pixar, intervinieron para salvar la franquicia.

Toy Story 3 representa el cierre de una etapa. Nos invita a aceptar el cambio y el paso del tiempo. Pareciera ser que es el propio Lasseter quien nos advierte que la vida de Pixar, al igual que el de los juguetes, ya no será igual. Con el estreno de esta tercera parte se cerró uno de los ciclos más exitosos en la historia de las producciones de Hollywood. Y no caben dudas de que el estudio seguirá produciendo films innovadores y exitosos (Intensamente, por ejemplo) pero la seguidilla de ideas originales presentadas, sumadas a la osadía y astucia con que fueron llevadas a cabo, brindaron, consecutivamente, obras de una calidad artística tan elevada que difícilmente se vuelvan a repetir.

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